Hoy, con muchas experiencias maravillosas y lecciones aprendidas, empaco mi mochila para emprender un año que se viene prometedor. Aunque esté acostumbrado a partir, a dejar partir, y a continuar mi camino en libertad, no me acostumbro ni me acostumbraré a dejar de agradecer a quienes me han acompañado en este camino. Gracias por su amor. Gracias por su comprensión. Gracias por lo que me han ayudado a aprender. Gracias por su compañía. Espero que quienes hoy me acompañan sigan a mi lado por mucho tiempo, para seguir construyendo. Construyendo. Construir. No me interesa otra cosa.
Y a quienes han dejado de acompañarme, igual gracias y buena suerte. Que no construyamos en plural no desmerece mi deseo de que sigáis construyendo. Cada quien en lo suyo, lo importante es ser felices. Y como no soy tan zen, a quienes dejaron de acompañarme porque les emociona destruir mucho más que construir o ser felices: fuck off, bitches! No tengo tiempo para eso.
Hoy cierra un año maravilloso, y una vez más tomo prestadas las palabras de Jonathan Larson para contar mis bendiciones y desear que todos hagan lo mismo...
Remember the love! Measure in love - Measure your life in love!
If I were to die tonight, I'd be the happiest guy on earth. I have the best pictures I could have taken, and the best friends I could have made... the best family I could have chosen. I love. Love.
Han ocurrido tantas, tantas cosas desde mi última vez frente a esta página, que hoy la retomo con una nueva perspectiva. Hoy me he levantado con la necesidad espiritual, mental y hasta física de escribir y comunicar, de abrir la puerta nuevamente y dejarles entrar luego de una muy necesaria reclusión en mí mismo. Y hay algo tan crudo, tan salvaje y tan instintivo en esa necesidad que me sorprende y me abruma, y la pienso dejar fluir con la misma naturalidad con la que ha venido.
Quienes me conocen saben, quizás hasta mejor que yo, que mi temor al cambio ha sido una variable demasiado constante en mi vida, y me ha impedido avanzar en muchas direcciones y ámbitos. Pues bien, en estos últimos meses, ante mi propia incapacidad de abrazar el cambio, ha sido el cambio quien me ha abrazado, tan fuertemente y con tanto amor, que finalmente lo he aceptado. Creo que nadie puede reprocharme la necesidad de dar un paso atrás (o hacia adentro) para tratar de digerir en silencio antes de volver al mundo exterior, para intentar comprender y comprenderme un poco mejor, para internalizar aquello que Heráclito hace tanto advirtió: que lo único constante es el cambio.
Con profunda humildad, agradezco a quienes me han acompañado en este trayecto, a esa suerte de espíritus guías, esas personas que permanecen a mi lado y conectadas a mi corazón - estén cerca o estén lejos-. Tal vez les haya apartado momentáneamente de mi vista y de mi espacio, y tal vez no he elegido las mejores maneras. Con toda certeza, he sido un tirano, un egoísta y, en resumidas cuentas, una mierda... pero ni por un segundo han dejado de habitar en mi corazón, y ni por un segundo he dejado de reconocerles como detonantes de este muy necesario cambio. Gracias. Creo haber crecido, creo ser una mejor persona que ayer, y tengo la energía, la voluntad, la disposición y la necesidad de continuar siendo la mejor versión de mí mismo que pueda ser. Por mí, por ustedes, y por los que vienen.
Con la misma humildad, agradezco la presencia de los nuevos personajes que han venido a formar parte del elenco de este show que ha cambiado un poco el rumbo (aunque espero conserve un poco de su sazón). Sólo tengo razones para sonreír, reconociendo en cada una de esas historias nuevas una prueba más de que nada es casual.
El temor ha quedado atrás. El cambio no termina. Carajo, ya lo dije: es lo único constante, y así lo acepto! Más que aceptarlo, he decidido ejercerlo como un derecho. Con un pie en el futuro, the show must (and will) go on!
La historia de la humanidad está llena de símbolos que comenzaron significando algo positivo, y por antojo de algunos pocos terminaron degenerando en significados muy distintos. Tomemos el ejemplo de la esvástica: un símbolo auspicioso con una historia que data de al menos 5,000 años antes de que los movimientos ultraderechistas lo adoptaran como propio poco después de finalizar la Primera Guerra Mundial, y antes de que su uso fuese ineludiblemente vinculado al partido Nazi alemán durante la Segunda Guerra Mundial. En este caso, bastó mucho menos de medio siglo, una sola generación, para convertir un símbolo de buena fortuna de miles de años, en identificador de una de las cáfilas más abyectas y aberradas conocidas por el hombre.
Del mismo modo, pocos años han bastado para que el tropel bárbaro que controla nuestro país se haya adueñado de un color tan hermoso como es el rojo para convertirlo en símbolo de su propio resentimiento. El rojo, un color tan poderoso, que excita el ánimo de quien lo viste, que ha simbolizado por siglos las más nobles pasiones humanas. El rojo, que ha representado el poder desde tiempos del Imperio Romano, que ha pintado nuestras banderas en virtud de la sangre derramada por nuestros próceres. El rojo, color del Muladhara Chakra, el nivel más básico e intenso de energía... en manos de quienes se hicieron del poder para corromperlo aún más, de quienes se hicieron de las instituciones para destruirlas, de quienes se hicieron del país para hundirlo. Como una gangrena, se han ido adueñando de todo cuanto encuentran a su paso para volverlo carroña, y hemos asistido a este infecto festín con absurda pasividad.
Hoy he decidido dejar esa pasividad a un lado y comenzar a recuperar lo que me han arrebatado, paso a paso. Y llámenme superficial, pero he decidido comenzar por el color rojo. Un gesto pequeño, aparentemente inofensivo, pero en lo profundo de mi ser y mi consciencia, un gesto tan simbólico y poderoso como la Toma de la Bastilla.
¡El rojo es un color, inexpropiable e irrenunciable!
Título en español: El Origen Director: Christopher NolanAño: 2010 Escritor: Christopher Nolan (guión e historia) Protagonistas: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Ken Watanabe ***** (Clásica!)
Advertencia: Así como soy de exagerado cuando algo no me gusta, también lo soy cuando algo me gusta mucho (por si no lo habían notado ya).
¡De esto se trata el buen cine! Pocas veces puede verse un film tan bien realizado en todos sus niveles. Debo confesar que tenía ciertas reservas, pues por lo general cuando una película viene precedida por tanto centimetraje de prensa y tanto ruido, las posibilidades son dos: amarla u odiarla. Creo que esas dos siguen siendo, en este caso, las únicas alternativas. No hay puntos medios. Así es su nivel de impacto. Sin dudas, este film será una referencia obligada en el futuro, como en su momento lo fue Matrix (comparación inevitable) - ojalá no se les ocurra hacer secuelas infames.
Un concepto bastante original e innovador, llevado hasta sus últimas consecuencias, y explorado milimétricamente, con una producción extraordinaria y un nivel de detalles increíble. Cada escena está estructurada de manera consciente, editada donde y como debe estarlo, con un significado claro. El guión es, desde ya, firme candidato para la temporada de premiaciones: un guión consistente y equilibrado, brillante y bien pulido desde donde se lo vea. Las actuaciones son precisas. La fotografía es compleja y excepcional, pues supone la creación de innumerables realidades, cada una con una estética distinta y sin embargo con una hilación fotográfica inequívoca - ¡menudo logro!
El trabajo de dirección es impecable: le aporta a la historia la dosis de originalidad que merece, sin dejarse llevar más de la cuenta. La sincronizción de ciertas escenas que ocurren con una temporalidad distinta (no quiero arruinarle la película a nadie, pero ya verán a qué me refiero), es de una genialidad pocas veces vista. Igualmente, los efectos especiales están perfectamente alineados con el propósito de la historia, sin salirse de control. En un film que evidentemente contó con un presupuesto abultado, es el mejor empleo de recursos que he visto en mucho tiempo.
Imposible dejar de lado la guinda de la torta: verosimilitud. Esa característica tan difìcil de encontrar en la ciencia ficción, aquí brilla como un faro llevando a este barco a buen destino. El estudio del tema está muy bien hecho. Algunos pudiesen argumentar que la película es excesivamente compleja, y que pasa demasiado tiempo explicándose a sí misma antes de entrar en la verdadera acción, pero en mi humilde opinión, es tan necesario como equilibrado. Sin excesos, sin sobras, sin faltas - un film redondo.
Título en español: Cartas a Julieta Director: Gary Winick
Año: 2010
Escritor: José Rivera, Tim Sullivan (guión e historia)
Protagonistas: Amanda Seyfried, Vanessa Redgrave, Christopher Egan, Gael García Bernal
* (Ahórrense el dinero)
Hagamos un "chick flick" - lluvia de ideas... - Un género: comedia romántica (¡duh!). - Un color: sepia o rosado (rosado es bello, muy girlie... y sepia le da un encanto vintage irresistible). - Una locación: la Toscana (casi sólo hay que poner la cámara a rodar sola y voilá, una película bellísima... para enamorarse, pues). - Una inspiración: Romeo y Julieta (¿hay algo más romántico?). - Un ingrediente: azúcar (¡por toneladas!). - Un verbo: empalagar (a las mujeres les encanta eso, muy dulce... sí, dulce como un beso... ¿eso sonó cliché? Igual, dulce como un beso).
¡Listo, vamos a contratar a un guionista! (¿Hará falta? ¡Pero si la Toscana es tan linda! Con sus viñedos, sus praderas, la campiña... ¡llamemos a tu hermanita de 13 años, ella lo escribe!).
¿Hace falta que diga más? Esta cursilada de film es casi un insulto a la inteligencia de la audiencia adulta. Un film puede ser ligero, rosa y edulcorado sin necesidad de llegar a estos límites, donde el sentido común, la coherencia y la lógica espacial y temporal -algo tan básico- no parecen tener cabida. Con toda seguridad saldrá algún defensor a refutar: "¡pero si sólo es una película!" - y sí, sólo es una película, no tiene que ser realista, y puede tomarse ciertas licencias, pero un poquito de coherencia no le hace daño a nadie, ni siquiera a la más despreocupada de las audiencias.
Eso sí, si quieren ver los paisajes de la Toscana, vayan a verla... ¡La Toscana es tan bella!(eso fue ironía, por si no la agarraron).
Año: 2010 Escritor: Elio Palencia (guión e historia) Protagonistas: Endry Cedeño, Violeta Alemán, Aura Rivas *** (Se puede ver, pudo ser mejor)
No puedo dejar de celebrar que el cine venezolano haya abierto finalmente el foro para la discusión de temas álgidos e importantísimos como la intolerancia, la violencia doméstica y la diversidad sexual (entre otros). En un país donde los temas urgentes (generalmente los impuestos por el capricho de quien todos sabemos) han relegado los importantes al olvido de manera inmisericorde, es alentador ver que esos fantasmas olvidados se asomen, casi temerosos, cuando se abre un resquicio. Tampoco puedo dejar de aplaudir que se abra el espacio para que muestren su talento tantos artistas que, como los temas mencionados, parecen a veces condenados a la relegación.
No puede negarse que este film tiene grandes méritos, y la trama en general trata los temas en cuestión de una manera admirable, logrando la identificación de la audiencia -en su mayoría no muy acogedora, y para ser honestos, bastante infectada de los males denunciados- con "el enemigo". De ese modo, la película puede convertirse en una suerte de espejo en el que la audiencia puede juzgar su propia hipocresía, su falsa tolerancia, o su propia mezquindad.
Sin embargo, como film termina resultando bastante pobre, e incluso algo molesto. El exceso de vulgarismo que tanto se ha criticado en el cine nacional desborda los límites de lo aceptable, resulta forzado e innecesario, aturde, y resta mérito a un guión que sólo destaca por las ideas fundamentales, y no por la estructura o por el estilo. Hay además demasiadas escenas injustificadas, de mero relleno, como burdos brochazos de mal gusto o de dramatismo gratuito. Todo eso sin mencionar unos valores de producción muy pobres, y una fotografía indescriptiblemente descuidada, aniquilada a fuerza de mala iluminación. Es una pena que ideas tan buenas terminen sufriendo los efectos de una ejecución mediocre... Tampoco es como para no verla, pero pudo sacársele mucho más provecho.
Escritor: Jorge Camacho (guión); Julio Carrillo y Fina Torres (historia)
Protagonistas: Prakriti Maduro, Juan Carlos García, Carlos Enrique Almirante, Yuliet Cruz
** (Nada memorable)
Este film es como una de esas fiestas de bodas de nuestros días, en las que todos se embriagan hasta la inconciencia, pero donde el fotógrafo, un artista consumado, saca el mejor ángulo de todo y de todos. Al día siguiente, en medio de la resaca, nadie recuerda los "detalles" importantes: que el licor era barato, que la comida estaba fría, que el pastel de bodas tenía cien tazas de azúcar en lugar de diez, que el sacerdote en su sermón insultó a más de la mitad de los invitados por su vida libertina, que hubo una disputa entre borrachos donde varias mesas se vinieron al suelo, y que la novia y el padrino desaparecieron juntos y sospechosamente por más tiempo del que impondría el decoro. Algún tiempo después, el recuerdo que quedará será sólo el de esas fotografías hermosísimas, y todos sonreirán con algo de nostalgia pensando que fue una boda estupenda...
El guión, un compendio de cursilerías y clichés telenovelescos, se desparrama sin control alguno. Algunas (pocas) ideas moderadamente interesantes no logran sacarlo a flote, tal vez porque ya se han visto antes (algunas incluso se han vuelto recurrentes en las historias de Fina Torres), o tal vez porque faltó un guionista más implacable, que pusiera coto al exceso de ideas y dirigiera ese desastre hacia un mejor puerto (o al menos hacia un sólo puerto). Como por si no bastara, el coqueteo guabinoso con la revolución no termina de cuajar como evidente, ni puede ser obviado como casual - sólo termina siendo un elemento fuera de lugar. Sin embargo, el film está tan bellamente fotografiado y la dirección de arte es tan esmerada, que tal vez sobreviva en el recuerdo de la audiencia como una bonita película.
Ustedes decidan si van a la fiesta o no, pero no digan que no se los advertí.
Título en español: El Mejor Lugar del Mundo Director: Sam Mendes Año: 2009 Escritor: Dave Eggers y Vendela Vida (guión e historia)
Protagonistas: John Karsinski, Maya Rudolph
**** (Hay que verla!)
Este film debe calificar entre los experimentos cinematográficos más interesantes del año pasado: un director como Sam Mendes, especialista en retratar los más intensos dramas humanos con una riqueza visual delicadísima y sin esfuerzo, con un guión de comedia romántica. El resultado no puede ser otro: una comedia con alma, a ratos divertida, a ratos conmovedora, que a pesar de una premisa básica algo floja, logra alzar vuelo sin mayor dificultad.
Tal vez como película no aguante un escrutinio demasiado profundo: algunos personajes son tan excéntricos/irracionales/wacky que tienden a rayar en la caricatura, y como decía, la premisa básica no parece demasiado sólida. Sin embargo, está muy bien hecho, hermosamente fotografiado, y las actuaciones son tan honestas y cálidas que es imposible no encariñarse con esos personajes extraños. La banda sonora también ayuda, hay que admitirlo: tan indie y reconfortante como el film en sí.
No esperen una super-producción, ni una obra de profunda inteligencia, pero sí saldrán de la sala con una sensación infinitamente gratificante en el corazón. ¡No dejen de verla!
Escritor: Peter Straughan (guión) y Jon Ronson (historia)
Protagonistas: Ewan McGregor, George Clooney, Jeff Bridges, Kevin Spacey
*** (Se puede ver, pudo ser mejor)
Viendo películas como ésta es imposible no darse cuenta del invalorable aporte de ciertas personalidades, como Charlie Kaufman, Wes Anderson o los hermanos Coen, al cine independiente: ideas frescas, planteamientos ingeniosos, guiones aparentemente incomprensibles en principio que resultan tener exquisitos destellos de brillantez. En este caso, la sátira de la política exterior estadounidense hace recordar a aquella subvalorada joya del cine que fue Burn After Reading - y no sólo porque George Clooney sea parte del reparto -.
Sin embargo, aquella comedia de los hermanos Coen estuvo mucho mejor acabada, no se puede negar. Este film logra a ratos ese nivel de humor negro refinadísimo, pero a ratos parece perder el camino, y acude a recursos de humor barato muy cercanos al mal gusto. El resultado es incongruente, un film con ciertos problemas de ritmo, momentos brillantes, algunas risas garantizadas y algunas cejas levantadas. No es un film redondo, ni es un estilo para todo el mundo, pero no es una mala opción. Es menos graciosa de lo que promete, pero tiene lo suyo.
Escritor: James Schamus (guión); Elliot Tiber y Tom Monte (historia)
Protagonistas: Henry Goodman, Imelda Staunton, Demetri Martin
**** (Hay que verla!)
Lo que más profundamente me sorprende de este film es la terrible acogida que recibió tanto de la crítica como del público, considerando que es una obra maestra a nivel de producción y dirección. Cierto, no es la mejor película de Ang Lee, pero no por eso deja de ser una película extraordinaria. Sólo un director de ese calibre puede surfear sobre un mar de clichés y mantenerse en pie, además de abordar una gama tan variada de temas y subtramas sin que el ritmo de la película sufra. Tal vez sea difícil determinar cuál de los temas predomina, porque el film es como la vida misma: todo ocurre simultáneamente, y el legendario festival es recreado para servir de marco y detonante.
La fidelidad en la recreación de la época es alucinante y minuciosa, algo particularmente arduo si se tienen en cuenta las dimensiones de los escenarios. Las actuaciones también merecen mención especial, particularmente la de Imelda Staunton, en un rol que oscila entre retrato desgarrador y caricatura. Desde donde se mire, esta película es una excelente opción en cartelera. No pierdan la oportunidad de verla, sobre todo porque lo más probable es que esté por poco tiempo.
Título en español: Dos Amantes Director: James Gray Año: 2008 Escritor: James Gray y Ric Menello (guión e historia) Protagonistas: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw *** (Se puede ver, pudo ser mejor)
Este film es otro de esos casos en los que una buena cantidad de elementos destacados -reparto, fotografía, dirección, banda sonora- no logran cuajar en un buen resultado. La idea original tampoco es mala, y el desarrollo de los personajes es excelente: historias complejas que se van descubriendo a medida que pasan los minutos, con los cuales es fácil identificarse o al menos sentir empatía.
Sin embargo, el producto final es una película altísimamente predecible, lo cual agrava un ritmo excesivamente lento -que bien podía haberse percibido como un toque inherente al tono intimista de la historia, pero termina haciéndose tedioso-. Aparte de ello, me temo que el casting no fue el mejor: los personajes atraviesan por un conflicto que hubiese resultado más apropiado a una edad más temprana. Ver a unos cuasi-cuarentones pasando por esas situaciones, embebidos en una trama de amor gratuito y sin fundamento como quinceañeros, convierte lo que pudo ser intenso en cursi y lo que pudo ser amargo en ridículo.
Director: James Mangold Año: 2010 Escritor: Patrick O'Neil (guión e historia)
Protagonistas: Tom Cruise, Cameron Diaz * (Ahórrense el dinero)
No es un problema de altas expectativas: yo sabía el tipo de película en el que me estaba metiendo... Pero a veces incluso mis bajas (o incluso nulas) expectativas han sido superadas - siquiera ligeramente -, y he salido de la sala con cierta satisfacción. No es este el caso.
Ni hablar del desperdicio de buenos actores. Claro, no estoy hablando de Tom Cruise ni de Cameron Diaz, sino de Viola Davis, Paul Dano, Jordi Mollá, o el mismo Peter Sarsgaard que parecía irse estabilizando en roles moderadamente buenos.
No me quiero extender en más comentarios. Ya perdí casi dos horas de mi vida en este film, no deseo perder más.
Escritor: Rohan Jones y Marcel Rasquin (guión e historia)
Protagonistas: Eliú Armas, Fernando Moreno, Marcela Girón, Gonzalo Cubero
**** (Hay que verla!)
Es una pena que ir a ver cine venezolano siempre genere cierto recelo, y que los méritos y galardones ganados por películas nacionales en otras latitudes sean menospreciados con excusas como "eso fue comprado", o frases por el estilo. Lo digo con conocimiento de causa: muchas veces también me dejo llevar por esos juicios desinformados y malsanos. ¡Pero qué bien se siente equivocarse en este caso! Este film prueba que en Venezuela se puede hacer cine de altísima factura.
Un guión muy bien logrado, excelentes actuaciones, y los valores de producción más altos: fotografía, sonido, banda sonora, edición... nada quedó por fuera, el film tiene méritos propios para convertirse en referencia obligante dentro del cine venezolano. Siendo el primer largometraje de Marcel Rasquin, es imposible no quedar con curiosidad: quiero ver más, quiero adelantar el reloj para ver de lo que es capaz este director en el futuro, porque estoy seguro de que será brillante.
En cuanto a la trama, ciertamente se repiten muchos de los lugares comunes que han generado ese recelo al que me refería: los malandros, la violencia, el lenguaje escatológico... Mas sin embargo, hay que tener en cuenta que es imposible hacer un film realista en nuestro contexto dando la espalda a... bueno, nuestro contexto. En este caso, el tratamiento de esos elementos es balanceado, necesario y puntual. Sirve para dar marco a una historia altamente conmovedora, para dar rostro a una realidad grave, dramática y terrible que dibuja la esencia de nuestra ciudad, una realidad ante la cual nos hemos ido volviendo ciegos a fuerza de repetición, por esa manía humana de convertirlo todo en números, en estadísticas y en noticias de una página fácil de pasar, pero imposible de obviar.
En un país donde todo es cuesta arriba, donde -tomando la metáfora de uno de los personajes- la vida constantemente nos cae a goles, tener una esperanza es casi obligatorio. Este film no sólo señala esa obligación, sino también representa esa esperanza en el cine nacional. No es una película para perdérsela, no hay excusas.
Título en español: La Dulce Vida Director: Mike Leigh
Año: 2008
Escritor: Mike Leigh (guión e historia)
Protagonistas: Sally Hawkins, Alexis Zegerman, Eddie Marsan *** (Se puede ver, pudo ser mejor)
Esta es una historia sencilla y divertida, sin duda alguna: un personaje perturbadoramente encantador paseando alegremente por cualquier clase de circunstancias de la vida moderna como si se tratase de la más entretenida excursión por el bosque, con una ingenuidad que raya en lo inverosímil. Pero de eso se trata: por qué o para qué vivir la vida de otra manera?
No puedo negar que este film tuvo una particular resonancia en mi mente por un proceso muy personal: la comprensión (o el camino decidido hacia ella) de que a final de cuentas no vale la pena tomarse absolutamente nada con seriedad - la seriedad lleva a la amargura, la amargura a las arrugas, las arrugas al botox... y al final vamos a morir igual, correcto? -. Sin embargo, este extremo de felicidad es casi enfermizo, y a pesar de unas actuaciones excelentes y pinceladas de la más brillante comedia, no termina de convencerme.
Por otro lado, el guión es algo extraño: todo film debería comenzar con un conflicto, una ruptura del status quo, alguna situación que justifique por qué la historia comienza en un punto de la vida de los personajes y no en otro. No es ese el caso en esta película, donde pareciera que la cámara cayó aleatoriamente cualquier día, e igual de aleatoriamente se alejó. Todo parece un compendio de situaciones inconexas que sólo sirven para definir al personaje central, una especie de Amélie británica y menos contundente.
