De las selfies en los museos: a la caza de la nueva generación

En mis últimas visitas a museos, se me ha ido haciendo cada vez más perturbadora esa costumbre pseudo-documentalista de algunos asistentes, sobre todo los más jóvenes, de tomarse selfies al lado de cada obra. Algunos ni siquiera parecen apreciar la obra en cuestión: sólo extienden el brazo, toman la selfie, y siguen su camino. Es evidente que la forma de disfrutar el arte ha cambiado en los últimos años, porque el público mismo ha cambiado, y su comportamiento así lo confirma. Después de todo, pensarán algunos, ¿para qué ir al museo si no puedo publicarlo en las redes sociales? Lo mismo ocurre con otros espacios públicos, desde restaurantes hasta boliches, pasando por plazas, lugares de interés turístico y recitales. En esta era de Internet, cuando es tan difícil sacar a un joven de su casa para interactuar en espacios reales, los museos también se han visto en la difícil tarea de reinventarse para atraer a una nueva generación de espectadores.

En este afán por hacerse de una nueva y más amplia audiencia, los museos han recurrido a la incorporación de manifestaciones artísticas que puedan resultar más atractivas para el público joven. Es así como en los últimos años hemos podido ver personajes de la cultura popular, como cantantes, diseñadores de moda, directores de cine, etc., ser objeto de exposiciones retrospectivas en los grandes museos. Vienen a la mente, por ejemplo, las recientes exposiciones en honor a Alexander McQueen en el Metropolitan Museum de Nueva York, a Tim Burton en el MoMA, o a Björk también en el MoMA, sólo por mencionar algunos que además de ilustrar el punto han establecido récords de visitantes.

Este coqueteo con la cultura popular, sin embargo, podría interpretarse como un alejamiento del museo de sus funciones clásicas. Pero es una realidad ineludible que, con el cambio social, debe sobrevenir un cambio institucional que lo refleje. Así lo entiende Luis Grau Lobo, Director del Museo de León: "Los museos ya no son lo que eran. Porque no otra es su condición sino la de reflejar y responder a una sociedad que tampoco es la misma, que tampoco piensa sobre sí y sobre su pasado lo mismo, que ni siquiera se comporta respecto a los museos de la manera en que lo hacía cuando concibió estos como manera de perpetuarse" (1).

Es, entonces, una cuestión de supervivencia. Los museos son parte de un mundo que se ha complejizado, y aunque suene a perogrullada, hoy más que nunca es el dinero el que mueve el funcionamiento de las instituciones. Por ello, en lugar de apegarse a una ortodoxia nostálgica, el museo se ha visto en la obligación de comportarse como empresa, con gestiones mensurables en términos de número de visitantes, recaudación de taquilla, venta de artículos en tienda, y otros compilados de números y estadísticas que amenazarían con aplastarlos si se ponen de espaldas a las dinámicas sociales.

Son estos los mismos motivos que han impulsado a los grandes museos a buscar casi con desesperación la atención de la nueva generación de inversionistas. Como explica Ford W. Bell, presidente de la Alianza Estadounidense de Museos, "El donante tradicional está muriendo, acortando donaciones, o delegando sus funciones en sus hijos o nietos. Ese cambio generacional es algo de lo que muchos museos han estado hablando" (2). Es por esto, por ejemplo, que el Museo Guggenheim ha establecido un Consejo de Jóvenes Coleccionistas, ofreciendo una gala anual para desplegar su capacidad de mantenerse "en onda" ante la nueva generación de la clase acomodada. No es poca la competencia que tienen: los estudios del Fondo Nacional para las Artes (NEA, por sus siglas en inglés), han concluido que la generación del Baby Boom (los nacidos durante la década del '70), que controla más del 70% del presupuesto destinado a donaciones en los Estados Unidos, tiene otras prioridades filantrópicas, relacionadas con la asistencia social más que con las causas artísticas.

Ante este panorama, resulta absolutamente comprensible que los museos apelen no sólo a la cultura popular, sino también a la participación de los espectadores en las redes sociales, promoviendo hashtags para Twitter, por ejemplo, o estimulando al público a tomarse selfies para compartir en Instagram y otras redes. Indudablemente son necesarios nuevos estudios más profundos sobre la generación de sentido desde la instancia de recepción en el ámbito de las artes, considerando que estos cambios son tan recientes como significativos. E invariablemente seguiremos existiendo algunos a quienes nos seguirá pareciendo una costumbre degradante y perturbadora, pero tal parece que tendremos que aprender a mordernos la lengua.

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(1) GRAU LOBO, Luis. "Museo, globalización y otros cambios climáticos: ensayos sobre sus derivas", en Revista museos.es No. 5-6 (2009-2010). Madrid, Ministerio de Educación, Cultura y Deportes.
(2) Citado por GELLES, Davis. "Asombrando a una nueva generación de patrocinadores de museos", en The New York Times (19 de marzo de 2014), Nueva York.

“Cuídese mucho”: cuando el berrinche se vuelve arte

La artista performática francesa Sophie Calle intenta arrastrar al espectador a su duelo por una ruptura en esta muestra que inaugura la programación del Centro Cultural Kirchner.

A todos nos debe haber ocurrido: una ruptura amorosa, precedida de cartas, mensajes de texto, correos electrónicos o meras conversaciones de cuyas palabras quedamos prendados, intentando escudriñar los significados detrás de los signos, buscando elementos que den sentido a la separación o, al menos, nos ayuden a atravesar las muchas etapas del duelo. En Cuídese mucho, una exhibición que ha recorrido varios países desde la Bienal de Venecia de 2007, la artista francesa Sophie Calle acomete este ejercicio con la ayuda de 107 mujeres de distintas procedencias y disciplinas, y por primera vez para esta instalación específica, también seis hombres. La muestra abrió parte de la programación artística en el flamante Centro Cultural Kirchner, donde puede ser vista hasta el 23 de agosto.

“Recibí un mail diciéndome que todo había terminado. No supe qué responder. Era como si no hubiera estado dirigido a mí. Terminaba con la frase ‘Cuídese mucho’. Y así lo hice. Le pedí a 107 mujeres, elegidas por su profesión o habilidades que interpretaran esta carta”, explica un texto de la artista ubicado en la entrada de la exhibición. Los guías de sala del Centro Cultural extienden fotocopias del contenido completo de este correo electrónico. A través de videos, fotografías y textos, el espectador es guiado a través de las palabras de este mensaje, reinterpretadas hasta el cansancio, analizadas, descompuestas, agotadas, repetidas una y otra vez por actrices, cantantes, bailarinas, e incluso la madre de Calle.

Una suerte de solidaridad de género mueve este despliegue de frustración, dolor, rabia, tristeza y emociones confusas que, a ratos, se sienten forzadas, falsas, o exageradas. El señor X, seudónimo que refiere al autor del mensaje en el ojo del huracán, es juzgado de manera inmisericorde, tal vez aprovechando que su versión no puede ser contada más que por las infames palabras de un texto que originalmente estaba destinado a ser privado. La muestra resulta interesante por su aproximación multicultural y multidisciplinaria, más a cuenta de una curiosidad superficial que de una conexión profunda con el espectador, porque tal explosión emotiva acaba por generar más ruido que emoción.

También es interesante la multitud de soportes utilizados para recorrer todas estas interpretaciones: fotos, videos, placas, proyecciones, y textos de todos los tamaños posibles. Estos últimos llevan el mayor peso de la exposición, tal vez para resaltar la importancia del mensaje escrito que lo originó todo. Es una muestra de arte hecha para ser leída. Y es precisamente éste el detalle que resulta menos simpático y más paradójico: los textos están todos en inglés. Los guías de sala muy amablemente ofrecen a quien lo requiera un atado de papeles bastante incómodo de manejar (y, francamente, de apariencia bastante descuidada) con las traducciones de los textos, pero esta cortesía no hace más que subrayar lo absurdo de la situación: la muestra inaugural de un centro cultural abiertamente identificado con un proyecto político que, entre otras cosas, pregona resaltar valores nacionales y populares, claramente apunta a un público internacional y/o de élite. Incluso intentando dejar de lado cualquier connotación política, la barrera del idioma hace aún más difícil que cristalice esa conexión emocional que la artista tan desesperadamente parece querer suscitar.

Al finalizar el recorrido, es inevitable sentir una profunda desazón, y no por las razones que tal vez Sophie Calle hubiese querido. No se trata de empatía con la artista, sino de la certeza de haber sido testigo de un gran fracaso en todos los sentidos posibles: fracasó la lógica en la programación inaugural de un centro cultural ya bastante polémico; fracasó la artista en su intención de arrastrar al espectador en su espiral emocional; y fracasó esa suerte de feminismo mal abordado, pues a fin de cuentas todo parece un berrinche histérico que acaba por darle la razón al señor X.